Cuando para entrar a una feria se cobra una entrada que cuesta mínimo 40€ es que te están ofreciendo algo más que la posibilidad de comprar un objeto. O eso, o te están tomando el pelo. Si en otro tipo de ferias, como la del libro, se les ocurriese cobrar a los asistentes, sería un desastre, pues reduciría el presupuesto que uno tiene para gastar en literatura, que es de lo que se trata, y al visitante le saldría más a cuenta acudir a su librería de referencia. Por esto, ARCO siempre ha sido más que un espacio para que los galeristas y los artistas expongan su obra en venta, es decir, Arco siempre ha sido algo más que una feria.
Cuando nosotros llegamos, ya ha pasado la inauguración: ya se han ido los reyes (de España), han tenido lugar diversos foros, performances y hasta unos bailes regionales. Por suerte, llegamos a tiempo para asistir a Sinestesias: Cata de cervezas Alhambra. La pregunta es inevitable: ¿De qué va esta feria? Aquello de «Va de la vida a la muerte», que decía Céline, es seguro, pero se nos hace demasiado solemne entre cerveza y cerveza. En este sitio y en este momento, me acuerdo más de Woody Allen cuando decía que «el ochenta por ciento del éxito es aparecer» y lo de que «la vida no imita al arte, sino a la mala televisión». Centrémonos en el arte, pues.
ARCO 2024 en datos
Una vez al año Madrid se convierte en epicentro internacional del arte contemporáneo y en esta edición lo hace con la participación de 205 galerías de 36 países diferentes. Durante tres días, el visitante tiene la oportunidad de explorar las galerías que confirman el papel destacado de ARCO en la promoción de artistas, la estimulación de un mercado artístico activo y la expansión del conocimiento en torno al arte contemporáneo.
Entre las galerías internacionales que se suman al programa general se cuenta con nombres como Gregor Podnar, Max Hetzler, Vera Munro, Air de Paris, Fortes D’aloia & Gabriel, Lévy Gorvy Dayan y León Tovar. Pero eso no es todo. También han contado con la presencia de fieles galerías como Thaddaeus Ropac, Mai 36, Jocelyn Wolff, Chantal Crousel, Krinzinger, Nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder, Giorgio Persano, Lelong, Meyer Riegger, Perrotin, Poggi, Neugerriemschneider y Thomas Schulte, que continúan enriqueciendo la experiencia ARCO.
Esta feria no solo exhibe la escena artística global, también celebra el talento local español en un diálogo artístico fascinante. Así pues, el talento nacional representa el 35% de la oferta. Con 73 galerías españolas —entre ellas las de Rafael Ortiz, Elvira González, 1 Mira Madrid, Projectesd, Casado Santapau, Nogueras Blanchard y Joan Prats—, provenientes de ciudades principales como Madrid y Sevilla, así como de capitales menos conocidas como Palma de Mallorca, Murcia, Valencia, Santiago de Compostela, Gijón, Bilbao y Badajoz, la diversidad y la creatividad españolas se muestran en pleno apogeo.
Pero no están todos los que son
Poco antes de la inauguración de la feria, el artista Manolo Valdés, de visita en Madrid por su primera muestra individual en la ciudad tras una década, criticó a la organización de la feria. Básicamente, Valdés considera que ARCO tiene un criterio de selección de galerías obsoleto, y denunció que la que lleva su obra, Opera Gallery, una firma internacional con dieciséis sedes repartidas por el mundo, había sido excluida de esta edición.
En declaraciones hechas a Antonio Lucas, del diario El Mundo, Valdés se mostró asertivo a la vez que incrédulo por que su obra no sea festejada, aplaudida, alabada, comprada: «Es de risa (…) pero cómo se pueden considerar capacitados para censurar a una marca mucho más importante que ellos. El comité de selección de ARCO es un espanto. ¿A qué grado de deterioro hemos llegado? Esta feria tiene un excedente de galerías inútiles. En época de Juana de Aizpuru esto era impensable».
En efecto, por primera vez no estará presente la mítica galerista Juana de Aizpuru, que ha anunciado su retirada. Reivindicada como auténtica fundadora e ideóloga de ARCO, Juana de Aizpuru fue además su directora hasta 1986.
Los más caros
Qué contraste y emoción pasear por los fríos pabellones de IFEMA y saber que albergan auténticos tesoros artísticos. Por lo que nos cuentan, muchas de estas obras provienen de colecciones privadas, listas para ser adquiridas por otros ávidos coleccionistas. Un Miró valorado en 3,3 millones de euros, un móvil de Calder, por solo 2,9 millones. ¿Un Picasso? 2,5 millones. Un Chillida en la Galería Mayoral por 1,2 millones de euros. Sin olvidarnos del Sigmun Polke en Vera Munre, por 1,7 millones. La oportunidad única de contemplar el arte que solo el 0.001% puede permitirse.
Los favoritos de Jot Down
· Esther Ferrer
Los números primos son aquellos números naturales mayores que 1 que solo pueden ser divididos exactamente por sí mismos y por 1. Por ejemplo, el número 25 no es primo ya que se puede dividir por 5 y por 1 además de por sí mismo. En cambio, el número 17 es un número primo, ya que solamente puede ser dividido por 1 y por 17.
El teorema fundamental de la aritmética, establecido por Euclides de Alejandría en Los Elementos, dice que cualquier número entero positivo puede ser expresado de manera única como un producto de números primos. Por ejemplo, el número 924 se descompone en el producto de 2 x 2 x 3 x 7 x 11. De ahí la importancia de los números primos en la aritmética.
Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) ha compartido en repetidas ocasiones qué la llevó a utilizar los números primos como símbolo de lo infinito y eterno. Después de despertar de un sueño donde veía un mar lleno de números primos, Ferrer encontró en ellos una representación de lo ilimitado. La utilización de las matemáticas le brindaba la oportunidad de trabajar dentro de un marco de reglas externas, preestablecidas y universales.
En ARCO, pudimos apreciar una obra de Ferrer valorada en 25.000€. En esta pieza, los números están dispuestos sobre un lienzo de manera que forman una espiral que se expande desde un centro en forma de vórtice hacia el exterior, sugiriendo lo infinito. Ferrer sigue un proceso particular: primero coloca los números en el lienzo y luego establece relaciones entre ellos, creando juegos de líneas que llenan los espacios entre los números primos, formando una composición armoniosa y fascinante.
· Nacho Carbó
Nacho Carbó (Castellón, 1975) apuesta por una visión radical en la creación de formas simbólicas utilizando elementos de la naturaleza. Elementos que, por sus características biológicas distintivas, son la base de una forma de creación que se puede considerar «viva». Esto significa que la creación artística surge de una consideración activa y en constante evolución con la naturaleza: fuente de vida que inspira y nutre el proceso creativo.
En el evocador catálogo diseñado por el artista encontramos un escrito de presentación de Sergio Rubira junto con un texto del propio Carbó. En este último, el artista reflexiona sobre la importancia de considerar la forma final de una obra no como el resultado definitivo del proceso, sino como una parte integral del mismo, un momento suspendido en el tiempo. Pero la obra no es lo único «suspendido en el tiempo», también lo son los propios materiales que actúan como «principios de incertidumbre», ya que su fragilidad puede dar lugar a accidentes imprevistos que se incorporan al proceso creativo, reflejando así la propia naturaleza cambiante y efímera de la existencia.
Por lo tanto, las piezas de Carbó pueden entenderse como maneras de abordar la supervivencia de la naturaleza que a su vez recrean sofisticados objetos, como los «Oggetti in meno» de Pistoletto, buscando despojar a la forma artística de todo convencionalismo y manteniendo al mismo tiempo su atractivo visual. Una obra que destaca por su inteligencia, sensibilidad y autenticidad.
· El Caribe Oceánico
Decíamos antes que ARCO es mucho más que un simple mercado de galerías, también hay exposiciones comisariadas y temáticas con mayor peso. Este año, el tema elegido ha sido La orilla, la marea, la corriente: un Caribe oceánico, con Carla Acevedo-Yates y Sara Hermann Morera como comisarias, que ha contado con la participación de 23 artistas vinculados al Caribe.
Acevedo-Yates explica por qué el Caribe es considerado oceánico: «El Caribe nunca ha sido estático. Sus corrientes marítimas se abren hacia el Atlántico y, debido a la acción humana, también se conectan con el Pacífico por el otro lado». Con su selección de artistas y galerías, su objetivo es narrar, tender puentes y comunicar las múltiples dimensiones del fenómeno Caribe.
La exposición final reúne a galerías tan diversas como 193 Gallery de París, Henrique Faria de Nueva York, Tern de Nassau (Las Bahamas) e incluso firmas españolas como Espacio Mínimo y Helga de Alvear. Su propósito es explorar una reflexión crítica sobre un fenómeno que ha sido socialmente configurado como un punto fijo, pero que en realidad se expande más allá de la cartografía.
«Cuando se intenta representar el Caribe, se comete un error. Hay muchas miradas [hacia él] que vienen de Europa y EE.UU., y estas inciden en la representación basada en estereotipos: se enfocan en una fantasía de tarjeta postal que no existe», añade Acevedo-Yates.
Precisamente, esta dificultad de representación es lo más interesante. Innegablemente, este espacio está vinculado al pasado colonial. E inevitablemente, los artistas abordan lo que fue el colonialismo desde el inicio hasta el actual legado colonial.
Otros proyectos comisariados
Opening es el espacio dedicado al descubrimiento de nuevas propuestas en ARCOmadrid. La selección curada por Cristina Anglada y Yina Jiménez Suriel representa el enfoque hacia el joven galerismo internacional, con la participación de 15 galerías debutantes como Artbeat, Blue Velvet, Eins Gallery, Espacio Continuo, Fermay, Hatch, Remota, Sissi Club y The Space Art Gallery.
La sección Nunca lo Mismo. Arte latinoamericano busca profundizar en la investigación sobre la creación latinoamericana y su relación con los diversos agentes presentes en la feria. Curada por José Esparza Chong Cuy y Manuela Moscoso, incluye una selección de artistas de América Latina presentados por 12 galerías como A Gentil Carioca, Jaqueline Martins, Isla Flotante, Millan, N.A.S.A.L. y Proyectos Ultravioleta.
No podía faltar
Algunos galeristas han optado por exhibir obras generadas con la ayuda de la Inteligencia Artificial. Una de estas piezas es Damnatio Memoriae, creada por Daniel Andújar, que se encuentra en la galería 1 Mira Madrid, con un precio de 10.000 euros. El artista aborda el tema de la memoria histórica al presentar un escudo franquista tintado de negro, acompañado por obeliscos.
La Inteligencia Artificial también ha sido protagonista en la galería catalana Àngels Barcelona, que exhibe tres obras generadas con ayuda de esta tecnología. Un ejemplo es Last Seen, también obra de Andújar, que recupera la imagen de plantas ya extintas. Gabriela Moragas, codirectora de la galería, explicó a Europa Press que esta obra crea una imagen en negativo con la ayuda de un robot y aborda la idea de la cancelación, la negación de una historia que ya no existe.
Esta galería cuenta además con otras dos obras que incorporan la Inteligencia Artificial. Rerum Natura, de Joan Fontcuberta, presenta la creación de nuevas especies de plantas, mientras que Quantum Emotitecture, de Ania Soliman, investiga a través de la pintura cómo podría ser el lenguaje del futuro en temas relacionados con el género y la raza.
De libros y revistas
Imposible no recordar las tesis de Tom Wolfe en La palabra pintada. Venía a decir que el arte es dependiente de una teoría que lo sostiene hasta el punto de que la expresión artística puede no tener sentido sin la teoría. O incluso podría desaparecer sin la teoría. No en vano el subtítulo de La palabra pintada es El arte moderno alcanza su punto de fuga.
No es causalidad, pero una mini feria del libro llamada ArtsLibris está presente en ARCOmadrid con más de ochenta editores de veinte países a los que se suman diferentes presentaciones de publicaciones en el espacio Arts Libris Speaker’s Corner.
La crítica de arte y la escritura especializada en arte contemporáneo es, pues, uno de los principales canales de comunicación de los artistas del presente. En la sección de revistas, ARCOmadrid ofrece a sus visitantes la posibilidad de descubrir las principales publicaciones en torno al arte contemporáneo. Un espacio para la lectura, el descubrimiento y la vinculación con el arte.
Premios
Una vez más, diversas empresas tanto nacionales como internacionales se unen a varias iniciativas para apoyar y reconocer la creatividad artística. Esto se lleva a cabo a través de la entrega de varios premios, como el Premio Lexus al Mejor Stand, el Premio Cervezas Alhambra Arte Emergente, el Premio Illy Sustainart, el ARCO/BEEP de Arte Electrónico, el Premio Adquisición Fondazione Per L’arte Moderna e Contemporanea CRT, el Premio ENATE-ARCOmadrid 2024, el Premio Opening, el Premio Catalina d’Anglade, y el Premio Emerige-CPGA.
Además, la Fundación ARCO otorga los Premios «A» al Coleccionismo, donde se reconoce el esfuerzo de cuatro destacadas colecciones: Mario Cader-Frech, José Antonio Llorente e Irene Rodríguez, Vasa Perovic y la Fundação PLMJ.
El premio de la comunidad de Madrid
En esta edición, la Comunidad de Madrid ha entregado reconocimientos a dos destacados artistas: Miguel Marina, de la Galería The Goma en el distrito Centro, y al colectivo Fuentesal Arenillas, de la Galería Luis Adelantado en Valencia. Las obras premiadas serán parte de la colección del Museo Centro de Arte Dos de Mayo en Móstoles.
La obra premiada de Miguel Marina, titulada Sin título (2024), es un óleo sobre lienzo que busca analizar y reflexionar sobre el paisaje y sus componentes desde la pintura. Es una narración fragmentada que invita a pensar en la relación entre lo manual y su obra.
Por su parte, el colectivo Fuentesal Arenillas ha sido galardonado por su instalación La danza mudanza I y II (2023). En esta obra, se explora la dimensión lúdica como una producción de signos, entrelazando aspectos autobiográficos con recursos formales únicos, como la figura doble y la repetición, incluyendo el azar como componente esencial.
Los Encuentros de Pamplona 2024
El sábado por la mañana tuvo lugar la presentación de los Encuentros de Pamplona, que después del éxito que cosecharon en 2022 se convierte en una bienal. El evento consistió en una conversación entre el director del programa, Ramón Andrés, y la investigadora y periodista cultural Berta Ares, subdirectora de los Encuentros. En palabras de Ramón Andrés «la bienal va mucho más allá de un festival literario y de pensamiento, sino que es un destello de propuestas: performances artísticas, exposiciones, música contemporánea, artes escénicas, diálogos y debates, talleres y actividades de mediación con instituciones», mientras que la periodista cultural ha destacado «la voluntad de la bienal de despertar, agitar y estimular la capacidad de asombro, ese impulso despierto y vivo que incita a la continua pregunta».
En la conversación también participó la artista visual Eva Lootz autora de la fantástica ilustración con la que se presentan los Encuentros. En palabras de esta artista visual, Premio Nacional de Artes Plásticas 1994 cuya obra se encuentra en instituciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, MACBA, el Chase Manhattan Bank, la Fundación Juan March, Artium-Museo Vasco de Arte Contemporáneo y el Museo Patio Herreriano, «hacer estos dibujos en el fondo me conectaba con los fundamentos de la racionalidad. Comprendo los tres círculos grandes como el arte, la ciencia y el pensamiento, y el círculo pequeño como el duende que salta de uno a otro y hace que arte, ciencia y pensamiento se fertilicen mutuamente».
Durante el la charla se han dado a conocer algunos de los nombres de los participantes que corroboran esta interdisciplinariedad, como la artista visual Joan Jonas, los pensadores y críticos de arte Boris Groys y Gerald Raunig, los escritores Herta Müller y Pascal Quignard, los cineastas Béla Tarr y Apichatpong Weerasethakul, los compositores Georg Friedrich Haas y Liza Lim, el creador de New Media Daito Manabe, la comisaria Mónica Bello, los científicos Stefano Mancuso Juan José Gómez Cadenas, la teórica del feminismo Sara Ahmed y la economista activista por el decrecimiento Hélène Tordjman, entre muchos otros.
¡Viva el vino!
Concha Jerez, representada por la galería Freijo, ha sido honrada con el I Premio ENATE-ARCOmadrid 2024. El jurado valoró tanto la trayectoria de la artista, quien desde los años 70 ha explorado cómo nos comunicamos y relacionamos en un mundo influenciado por la tecnología, como el enfoque especial de esta obra en nuestra capacidad para comunicarnos o elegir abstenernos de hacerlo.
Dotada con 5.000 euros, la obra se unirá a la colección de ENATE y ha sido exhibida en su espacio en el Guest Lounge. Además, en colaboración con la artista, esta pieza se convertirá en la etiqueta de una botella de edición especial y limitada en honor a la feria.
Y un coche intervenido
Lexus, el vehículo oficial y proveedor de soluciones de movilidad de la feria -¿qué sería de una feria de arte sin su vehículo oficial?-, nos regala una dosis de creatividad con el proyecto ganador del Concurso de Diseño Lexus Art Car.
Esta joya del arte automovilístico nos esperaba en ARCOMadrid 2024. Porque, ¿qué mejor manera de apreciar el arte contemporáneo que a bordo de un automóvil de lujo? ¿O solo se mira pero no se toca?
La idea detrás de este proyecto es simple: tomar un lujoso Lexus como lienzo y dejar que los diseñadores den rienda suelta a su creatividad. Así es como surge el RX Kumano Kodo, inspirado en el ancestral camino de peregrinación japonés del mismo nombre: «Kumano Kodo». Y así, gracias a Lexus, el arte y la movilidad se fusionan en una creación verdaderamente única. Qué sería del arte sin un toque de lujo sobre ruedas. Sensacional.
