De clásicos fundacionales y crepúsculos actuales: una revisión de los cómics más sugerentes del segundo trimestre de 2025

A las puertas del periodo estival, que ahora encara lentamente su segunda mitad, el mundo del cómic en España nos ha dejado una primavera bien surtida de obras notables. La confluencia de temas merece ser destacada. Las obras de tono o ambientación postapocalíptica, cuyo trasfondo había sido tradicionalmente el de la ciencia ficción, se han congregado esta vez alrededor de la fantasía, lo onírico y lo íntimo. Los relatos sobre el presente han tenido notas inevitablemente ásperas, pero con ánimo al menos reflexivo. Ha sido también un momento para recuperar tebeos históricos patrios muy populares y alguno de culto allende los mares. Y los mitos, clásicos o modernos, han sido reinterpretados a antojo, brotando en un jardín de flores diversas. La imaginación y el ingenio han hecho acto de presencia incluso en lo autobiográfico y en el ensayo. A quien sostuviera que el cómic se estaba anquilosando en lo comercial y en las consabidas tendencias editoriales le proponemos echar un vistazo a nuestras recomendaciones de cómics del segundo trimestre de 2025.

Anzuelo, de Emma Ríos (Astiberri)

Este drama postapocalíptico, muy poco convencional por su ambientación en un paisaje costero, mira al mar como a un abismo en el que uno puede precipitarse, pero del que también surgen cosas. Emma Ríos regresa a las historias inmensas tanto en escenario como en crónica vital, con una narrativa elíptica que apela a la intuición, la introspección y la sensación, siguiendo el rastro a varios personajes y a sus cambios internos y externos, así como a su conexión con el entorno, consecuencia de la adaptación a la catástrofe. Anzuelo, que en su tono crepuscular también deja espacio para algunas génesis, abunda en ideas y temas interesantes, complejos expresados de forma poética y con referentes tan dispares como H. P. Lovecraft o Daisuke Igarashi. Consigue sumir al lector en un espectacular ejercicio de técnica con la acuarela, que muestra un gran dominio tanto de la fluidez como de la definición, vehículo perfecto para hacer aflorar las fuerzas primordiales, naturales y emocionales que anidan en este relato.

Una casa en la ciudad, de Ilu Ros (Lumen)

He aquí un monumental e inmersivo ejercicio de autoficción a partir de experiencias autobiográficas que no debería pasar desapercibido. Ilu Ros rememora sus días trabajando en Londres para armar una de esas crónicas que, partiendo del yo, acaban siendo muy conscientes de su entorno y se convierten en la historia de cualquiera de nosotros. Una casa en la ciudad se caracteriza por su tono reflexivo como acto de búsqueda personal, crítico con aspectos como la explotación de los inmigrantes, y como testimonio de los procesos de desarraigo. La artista murciana, como otras autoras de su generación, pone la mirada en el presente de la supervivencia ante la precariedad y la difícil ubicación identitaria, con miras al futuro. Su elaborado diseño conceptual resuena en todas sus decisiones gráficas, precisas e ingeniosas en sus juegos estilísticos y narrativos, construyendo una obra que es más que la suma de sus temas y habilitando un punto de vista tan personal como sagazmente amplio.

Mobile Suit Gundam: The Origin, de Yoshikazu Yasuhiko (Planeta)

La serie de animación de culto sobre robots tripulados en un futuro lejano nació como tal a finales de los setenta y tuvo, de forma inmediata, una adaptación muy canónica al manga. No es hasta mediados de los dos mil cuando se inicia esta versión más libre que potencia la esencia de la obra y la veta que abrió en este subgénero. Mobile Suit Gundam: The Origin se caracteriza, a todos los efectos, por establecer una vía mixta entre el manga de aventuras y acción juvenil y el género bélico, todo ello bajo el trasfondo de la ciencia ficción espacial. Yoshikazu Yasuhiko se afanó en que quedaran patentes los rasgos que aportaron tanto la madurez como la búsqueda del realismo y el alejamiento del maniqueísmo. El resultado fue una sci-fi opera con buenas dosis de drama que, en su estilo de línea suave, resulta tan elegante como impactante y expresivo, eminentemente material en las intensas refriegas entre los colosos mecánicos.

Encías quemadas, de Natalia Velarde (Reservoir Books)

Uno de los cómics más esperados del año es el debut de Natalia Velarde, autora con una carrera ya importante en la escena de la autoedición y con trabajos de una estética vanguardista arrolladora, en los que lo social se funde con lo mítico y lo surrealista. Encías quemadas, en esa línea, desborda en todos los aspectos: una novela gráfica de intriga dramática de carácter confesional, chamánica en su poder evocador, que solo puede entenderse desde la conexión con lo visceral, como expresión de emociones internas arraigadas que cobran vida propia en la página. Su grafismo proteico, que bebe de una estética toon hiperplástica y de una narrativa orgánica que relega el marco al estricto significado simbólico, constituye quizá una de las cartas de presentación al gran público más osadas y salvajes que se hayan visto nunca en la historia de la historieta en nuestro país.

Alkaios Vol. 2, de Adrián Bonilla (Tengu Ediciones)

Esta segunda parte —y final— del multifacético cómic que Adrián Bonilla inició junto a Juanma Mallén retoma la reinterpretación del mito de Hércules, un ejercicio arriesgado por las múltiples iteraciones que ya posee el personaje a lo largo de la historia del cómic. El dibujante pone aquí todas las cartas sobre la mesa en una obra que se caracteriza precisamente por revelar jugada tras jugada, afrontar giro tras giro, hasta alcanzar su climático final. Alkaios Vol. 2 se desarrolla como un tebeo de acción y supervivencia a partir de elementos de intriga, con un reparto algo más coral que el del volumen precedente y una inesperada atmósfera de escape room para narrar el destino incierto de los dioses de la Antigüedad. El dibujante, en solitario, vuelve a entregarse tanto al experimento gráfico como a la mutabilidad referencial del estilo para salpimentar el cómic, efectuando homenajes y esquivando la convencionalidad, lo que le permite entrar en la galería histórica de representaciones del mito.

Cómo los ricos saquean el planeta y cómo impedírselo, de Hervé Kampf y Juan Méndez (Garbuix Books)

Esta década —y la anterior— ha visto una notable y pertinente insistencia en la publicación de cómics sobre la creciente crisis climática y la sobreexplotación y destrucción del medio ambiente, a la que se han sumado autores de larga trayectoria como Joe Sacco, Christophe Blain o los Talbot. Si bien la gran mayoría, tanto en aspectos particulares como a nivel general, han sabido explicar al público los «cómos» y «porqués», no todos han puesto el enfoque en los «quiénes» como lo hacen Hervé Kampf y Juan Méndez. Como los ricos saquean el planeta y cómo impedírselo añade la perspectiva de clase para señalar a los verdaderos responsables del consumo cada vez más acelerado de los recursos del planeta, del calentamiento global y de la contaminación del medio ambiente. Ensayo-manifiesto de narrativa expositiva, dinámica y lúcida, que sabe mantener un tono ameno e introducir golpes de humor para sobrellevar tanto la indignación como la tragedia.

El libro endemoniado, de Fernando Llor y Alicia GM (Astronave)

Si bien en el cómic juvenil actual el género de fantasía está más que sobreexplotado y saturado de convenciones con intenciones de captar al público, El libro endemoniado se adelanta a todos sin renegar de las influencias de otros tiempos de sus autores, abrazando el humor absurdo y marcando los tiempos con un ritmo despierto con el que es imposible aburrirse. En esta aventura de demonios que escapan de sus jaulas, Fernando Llor recurre a la comedia fantástica de los ochenta y noventa, donde se reúnen fácilmente Terry Pratchett y los Monty Python, jugando a desencajar al lector con una cadencia de gags de récord y personajes que destacan más por sus neuras que por sus talentos. Alicia GM lo ejecuta todo con un estilo de dibujo cargado de carácter: caricatura geométrica, bidimensionalidad y colorismo para una estética con reminiscencias de mosaico o vidriera medieval. No menos destacable es la narrativa visual, que se presta a juegos constantes. Surtido de divertidos extras coronan la obra: he aquí, fácilmente, uno de los tebeos de fantasía del año.

Los 200 primeros casos de Mortadelo y Filemón, de Francisco Ibáñez (Bruguera Clásica)

Recuperación histórica de uno de los tebeos españoles más internacionales, del que la mayoría de los lectores actuales conoce sobre todo su versión más moderna. Mortadelo y Filemón, agencia de información empezó a publicarse en Pulgarcito en 1958 y ya en sus primerísimas historietas, desarrolladas a una página, Francisco Ibáñez establecía las claves humorísticas —tanto en temas como en estilo y narrativa— que pervivirían a lo largo de toda su vida. Abarrotados de picaresca, confusiones jocosas y slapstick, también fueron portadores de su contexto histórico-social a partir de la sátira del género detectivesco. La edición cuenta con una extensa introducción de los divulgadores Antoni Guiral y Jordi Canyissà, que pone esta etapa primigenia del gran clásico popular en antecedentes.

Anna, de Mia Oberländer (Salamandra Graphic)

Sorprendente relato sobre traumas intergeneracionales que afectan a mujeres de una misma familia; caso a destacar porque en el medio se han visto unos cuantos recientemente, especialmente desde la autobiografía y la perspectiva histórica, cultural y social. Mia Oberländer apuesta por una ficción que no precisa de densas injerencias contextuales y plantea un caso de discriminación que pone de relieve que cualquier discriminación es un ejercicio absurdo. Anna es la historia de tres mujeres del mismo nombre, observadas con prejuicio por su elevada estatura, considerada carente de feminidad por las gentes de su pueblo montañés en Alemania. Su estética de ingenuo cuaderno respira una ironía que se revela también en el tono de la narración, así como en su estilo sintético y feísta, que juega con frecuencia a la exacerbación tragicómica siempre con un ánimo poliédrico. La historia de las tres protagonistas permite un abanico que va de la denuncia sutil al grito hastiado, pero también da cabida a una sana indiferencia que empequeñece (nunca mejor dicho) al enjuiciador.

La estación, de Raphaël Geffray (Andana Gráfica)

Con un guion y una puesta en escena de fuerte impronta dramatúrgica se presentó uno de los cómics más vanguardistas en lo estético de lo que llevamos de año. La estación destaca primero por su escenario, inspirado en la gran estación de Montparnasse, llevada aquí a proporciones gargantuescas, propias de un Olimpo que empequeñece a los hombres con su presencia. En ese marco se desarrolla el relato de una relación tóxica entre la directora de dicha estación y un músico ambulante, alcanzando notables contrastes y dejes que rozan lo absurdo, distinguiendo a los hombres por deseos propios del capricho pasajero y por su obsesión malsana por el control y la vanidad incluso en momentos de crisis social. Toda esta exacerbación y contraste entre lo mínimo y lo máximo, lo individual y lo colectivo, entra en sintonía perfecta con el estilo que emplea Raphaël Geffray: caricaturizante, frágil, basado en mancha y borrón y, sin embargo, al mismo tiempo colorista y vibrante, acorde con su aspiración de desbordante espectáculo teatral.

Paracuellos Integral, de Carlos Giménez (Reservoir Books)

Indiscutiblemente uno de los cómics patrios más importantes —la comitiva de sabios invocada por Rockdelux lo eligió en 2021 como el mejor de nuestra historia— ha visto la publicación de su integral definitivo, que busca recoger tanto las entregas clásicas como las más recientes (eso sí, con algún descuido que la editorial está reparando para su segunda edición). La llegada de Paracuellos Integral coincide con el 50.º aniversario de su origen y su lectura resulta una forma de descubrir o revisitar a un autor que hay que seguir reivindicando. Carlos Giménez, en las crónicas de una infancia en los hogares de auxilio social del franquismo con prácticas propias de institución penitenciaria, brilla aquí por su talento para la narrativa visual y por el detalle en la expresividad del dibujo. Pero también lo hace por haberse convertido, desde la autobiografía, en voz de una experiencia colectiva contada de forma minuciosa, portador de la aparente anécdota como testimonio significativo, con ese ánimo justiciero de no querer que nada, absolutamente nada, caiga en el olvido.

Orlando, de Delphine Panique (La Topera Editorial)

Si en este trimestre hemos visto la reinterpretación de personajes clásicos en cómic, lo mismo ha sucedido con figuras de culto más modernas. El Orlando de Virginia Woolf pasó por las manos de Alan Moore y Kevin O’Neill como personaje de acción y ahora recae en las de la francesa Delphine Panique, que propone una versión libre —y a la vez confesamente admirada— en la que se concentran sátira y tragicomedia en la historia de un poeta sin mucho éxito en palacio, cuya carrera prospera tras su transformación en mujer. Orlando plantea un ejercicio biográfico con elementos fantásticos que acentúan la alteridad, lo queer y, en definitiva, lo que se mueve en los márgenes. Línea fina y estética naïf se muestran acordes con su desarrollo argumental asombrado, muy desvinculado de cualquier convención esperable y favorecedor de cierta lírica. Una muy rara avis de extraño encanto que, en sus disquisiciones sobre el arte y en su insólito sentido del humor, recuerda a nuestro Julio César Pérez.

Viaje alrededor de mi habitación, de Aurélie Herrou y Sagar (Norma Editorial)

Sagar está desatadísimo. Ya en su asociación con Jorge Carrión en El museo pudimos comprobar su versatilidad narrativa y estilística en un tebeo-ensayo muy fuera de lo común. No menos lo es esta versión moderna y con licencias del libro de Xavier de Maistre de hace más de dos siglos. La variante surge de la tecnología a la que vivimos pegados: el protagonista se queda forzosamente diez días sin móvil y la abstinencia le provoca un cambio radical en la forma de observar el mundo, de entenderlo, de vivirlo. Tan tragicómica como filosófica, Aurélie Herrou proyecta una transición de la cotidianeidad que desemboca en poderosa condensación temática. Sagar se mantiene a la altura del desafío, con un dibujo multiforme que oscila entre la caricatura y el realismo y que incorpora con naturalidad recursos modernos del lenguaje del medio. Este nuevo Viaje alrededor de mi habitación queda así como una odisea plausible en nuestros tiempos.

El Eternauta 1969, de H. G. Oesterheld y Alberto Breccia (Reservoir Books)

Era de esperar que, con la llegada de la serie de Netflix, volaran las ediciones del cómic de H. G. Oesterheld y Francisco Solano López. Lo que quizá no era tan previsible era ver por fin la versión que el guionista elaboró junto a Alberto Breccia, ya en la fase de artesano vanguardista que le valió reconocimiento mundial. El Eternauta 1969 volvía a recorrer la historia original con algo más de síntesis argumental, debida primero a tratarse de un relato ya conocido y después a las críticas del público que, desgraciadamente, entonces no supo apreciar al Breccia más experimental. Sin embargo, es gracias a este enfoque que el relato cobra nueva y singular vida. El maestro argentino, con sus múltiples recursos técnicos, consiguió potenciar la atmósfera anómala que permeaba la narración y que no dejaba respirar con tranquilidad ni a los protagonistas ni a los lectores.

Grog The Frog: El libro de Tauro, de Davilorium y Alba BG (Ediciones La Cúpula)

El estilo de cartoon minimalista empleado para relatos de fantaciencia weird, que Michael DeForge consolidó en el cómic alternativo/indie y que Pendleton Ward popularizó en la serie de animación Hora de Aventuras, ha tenido un número nada desdeñable de herederos que han recogido tanto esa estética como sus tonos narrativos, conformando una suerte de «escuela espiritual». Davilorium y Alba BG se adscriben fácilmente a esos estilos y a ese gusto por la animación, y han creado un personaje carismático que ha conseguido su propio culto. Grog The Frog: El libro de Tauro es su aventura de presentación editorial, un relato de aparente estructura clásica —un viaje de búsqueda— que dinamita los cánones convencionales y abraza la antiépica, el giro inesperado, la confrontación dialogada y la trascendencia desde lo cotidiano. El regusto que deja su lectura, además del gozo visual que provoca su estética colorista y su narrativa dinámica e inquieta, es el de haber asistido a un fenómeno atípico y, sin embargo, reconocible.

Absolute Wonder Woman, de Kelly Thompson, Hayden Sherman y Jordie Bellaire (Panini Comics)

Se ha trajinado tanto con los universos superheroicos que cualquier propuesta de variación puede provocar desconfianza. Sin embargo, el Universo Absolute de DC ha resultado ser una idea emocionante con algo de experimento de laboratorio: tomar los orígenes de los personajes más reconocidos y reajustarlos con más drama y trasfondos desafiantes para ver qué surge de interesante. En Absolute Wonder Woman, Kelly Thompson somete a Diana a un calvario de partida más desbordado que el Daredevil de Frank Miller. Adoptada en el infierno, criada como hechicera además de como guerrera y enfrentada a los kaijus demoníacos más inconcebibles en sus primeros lances, se presenta como una heroína con un trasfondo similar al de la original y, al mismo tiempo, contrastante por su contundencia y estética salvaje. Hayden Sherman y Jordie Bellaire cumplen en lo gráfico hasta rozar el cielo: grandiosidad en los marcos, tensión dinámica en la acción, alguna filigrana ingeniosa en la composición y una atmósfera crepuscular perfecta gracias a la paleta. Un disfrute redondo.