A finales de abril coincidieron el Festival de Málaga y el Festival de Cinema D’Autor de Barcelona, y varias películas españolas pudieron verse en las pantallas de ambos. Entre ellas, tres joyas que acapararon casi todos los grandes premios de Málaga y gran parte de los aplausos del D’A. Fui a hablar con los directores de La próxima piel, Callback y El perdido para que me explicaran cómo están hechas sus películas, y salí con una cierta idea (quizá más precisa, seguro más profunda) de qué es el cine y dónde está.
Este artículo está sembrado de SPOILERS cual campo de minas. Si no lo han hecho ya, corran a ver las películas, y luego vuelvan a leer esto con el mismo entusiasmo con el que empezaron.
La próxima piel (2016), Isa Campo e Isaki Lacuesta
Quinientos veintiocho planos. Una cámara que no deja de flotar entre los personajes, empeñada en escrutar sus sentimientos. Una colaboración artística (la de Isaki Lacuesta e Isa Campo) que culmina su «desarrollo natural» con la primera película codirigida entre los dos. La próxima piel es ese punto culminante, y quizá por eso su película más compleja hasta la fecha. «No sé, lo que está claro es que vamos aprendiendo, aunque sigo pensando que aún estamos haciendo nuestras primeras pelis», afirma Isaki, defendiéndose de las etiquetas.
La próxima piel está vagamente inspirada en la historia de Frédéric Bourdin, un joven francés que durante años usurpó la identidad de varios menores desaparecidos. Sin embargo, la historia real solo les sirve como punto de partida para una película sobre la identidad y la necesidad de amor. Gabriel es un adolescente que regresa a su pueblo del pirineo aragonés, donde todos lo daban por muerto, tras ocho años desaparecido. A medida que va incorporándose a la vida familiar, crece el misterio sobre su desaparición y comienzan a surgir dudas sobre su verdadera identidad.
Esta historia de thriller da lugar a una película en perfecto equilibrio entre un guion milimétrico y tensado propio del género y una puesta en escena realista que, como afirman los directores, pretende que la película «respire». Esa forma de filmar (con una cámara al hombro que se desliza por la acción cambiando continuamente la focalización y el punto de vista) constituye uno de los grandes logros de la película, porque no solo aporta realismo, sino que también ayuda a potenciar las sutilezas interpretativas que nos obligan continuamente a repensar lo que estamos viendo. «Creo que hace unos años no hubiéramos sabido manejar estos cambios de punto de vista y de focalización, así que es una de las cosas con las que estamos más contentos».
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