Hari Ren: «El mundo parece estar hoy al borde del colapso. La máquina se está rompiendo, pero en lugar de dejarla caer, los que están en el poder la están remendando con métodos cada vez más brutales»

Hari Ren es un artista inglés de clase trabajadora, profundamente influido por el carácter industrial de Manchester y el norte de Inglaterra. Su obra explora temas oscuros, la energía punk, la cultura alternativa y el folclore olvidado, creando piezas atrevidas y expresivas que abrazan el lado crudo y poco refinado de la vida. Inspirándose en los paisajes de su ciudad natal y alrededores, Hari canaliza la cruda belleza de fábricas en ruinas, calles olvidadas y gente que vive al margen de la sociedad.

Su arte mezcla caos y belleza, al tiempo que se inspira en las historias extrañas, siniestras y a menudo pasadas por alto que acechan en las sombras de la vida cotidiana. Ya se trate de los mitos olvidados de una urbanización en ruinas, del brumoso borde de un páramo desolado o de las historias no contadas de quienes viven en los márgenes, la obra de Hari da vida a estos mundos invisibles de una forma vívida e inquietante.

¿De dónde viene Hari Ren? ¿De dónde viene ese sentirte tan identificado por escenarios tremendamente industriales como los que creas en tus ilustraciones?

Siempre he sentido un profundo interés por las fábricas y la industria, especialmente por los textiles, que han sido una constante a lo largo de mi vida. Al crecer en Stalybridge, no podía escapar de ello. La ciudad se construyó sobre el algodón durante la época de la Revolución Industrial, y su historia obrera, tanto de trabajo como de protesta, no solo modeló el paisaje, sino también a la gente. Incluso en los años 80 y 90, cuando yo era niño, las fábricas y las chimeneas se cernían sobre todo: algunas seguían funcionando, otras se reconvirtieron, otras decayeron.

Mis padres trabajaban en fábricas, así que ese mundo siempre estuvo cerca de casa, arraigado a mí. Mi madre trabajaba en textil, así que crecí rodeado de máquinas de coser, y el sonido de las máquinas siempre estuvo presente en mi infancia. De adolescentes, explorábamos las fábricas abandonadas, trepando por las ventanas rotas, hurgando en el polvo y el óxido. Había algo espeluznante, pero también cautivador: fragmentos de un mundo perdido, el peso del trabajo y la lucha aún perdurando en el aire. Esa sensación de industria que cala en los huesos de un lugar se me ha quedado grabada y se refleja en mi arte.

Después de estudiar arte a principios de la década de 2000, acabé trabajando en la industria textil de otra manera: escribiendo software para fábricas de todo el Reino Unido, Europa y Marruecos. Más tarde, trabajé en el sector del patrimonio y el turismo, creando obras de arte y experiencias interactivas para museos centrados en la historia de la clase trabajadora, cosas como los mineros del carbón de Gales o antiguos castillos y bosques, antes de pasar a la serigrafía y la producción de ropa a finales de la década de 2010. Incluso cuando no estaba directamente en las fábricas textiles, siempre estaba ahí, entretejido en mi vida de una forma u otra.

Desde el punto de vista artístico, vivir a pocas calles de donde vivía L. S. Lowry ha sido una influencia, al igual que otros «artistas del norte». Su obra capta el norte industrial: las fábricas, las chimeneas, las figuras moldeadas por su entorno, en las que me he fijado mucho en mi reciente proyecto. También me inspiro en estilos expresionistas, sobre todo en obras que distorsionan y exageran la forma humana o el mundo para revelar algo bajo la superficie: algo brutal, algo frágil. Creo que mi obra reciente toma ese paisaje industrial y lo retuerce para convertirlo en algo igualmente inquietante, casi como una historia alternativa de lugares como Stalybridge y sus alrededores, donde el pasado aún perdura, presionando contra el presente.

Más allá de mi trabajo visual, también me dedico a la música, que se mueve en temas similares de industria, decadencia y resistencia. Canto, hago música y creo arte para Black Light Mutants, un proyecto anarco punk/industrial, y Romance of Broken Dreams, un grupo de cold wave/industrial/goth. Ambos proyectos se inspiran en el mismo mundo de inquietantes paisajes urbanos, sonidos mecánicos ásperos y una sensación de desasosiego distópico que recorre gran parte de mi trabajo artístico.

Háblanos de Harrowden.

Harrowden es un lugar donde chocan la industria y el folclore, un pueblo moldeado por el brutal trabajo del pasado pero embrujado por algo más extraño. Es una visión alternativa de los antiguos molinos y pueblos del este de Manchester, donde vivo, un lugar que me resulta familiar pero que no se corresponde con la realidad. Existe fuera de mí, mezclando los vestigios del pasado industrial —molinos de algodón, fábricas, telares tintineantes— con elementos modernos como lavadoras, urbanizaciones municipales y cámaras de circuito cerrado de televisión. El pasado nunca se desvanece del todo, y el presente se siente manchado por lo que vino antes.

Tras mudarme a la zona hace unos años, empecé a crear obras de arte basadas en el folclore local. Me fascinaban las extrañas historias que encierran estos pueblos: las historias de fantasmas, los viejos mitos, el modo en que los ecos del pasado aún perduran en el paisaje. Leyendo libros de principios del siglo XX, empecé a darme cuenta de cómo la historia deja su huella no solo en los relatos, sino en los propios lugares.

Un amigo me sugirió que creara mis propias ciudades o pueblos. Algo que pudiera llevar estas ideas más lejos, libre de ataduras. Así surgió Harrowden (y sus alrededores), un pueblo creado a partir de lugares reales, pero distorsionado para convertirlo en algo más oscuro, surrealista y fantástico. Es una mezcla de realidad e invención. A veces trabajo directamente a partir de imágenes o fotos reales, otras veces a partir de la memoria o la imaginación, extrayendo imágenes de los molinos en ruinas, las casas adosadas, los imponentes viaductos, y transformándolas en algo extraño. Harrowden existe en un espacio donde el pasado y el presente se mezclan, donde la industria nunca se detiene del todo, donde el folclore se aferra a los bordes de la vida cotidiana. Es un mundo que parece vivido y de otro mundo, donde los fantasmas de la historia nunca están lejos.

Una inquietante luz roja que entra por las ventanas desde el interior de las casas es una constante en muchas de sus obras. ¿Qué hay dentro de esas habitaciones?

La luz roja pretende atraer al espectador, es una invitación, pero no necesariamente una bienvenida. Hay algo en ella que no parece natural, como una advertencia que no puedes descifrar. En Harrowden, cuanto más te acercas a la ciudad, más intenso se vuelve ese inquietante resplandor rojo en algunos lugares, casi como si la propia ciudad ejerciera una atracción tóxica sobre los que se acercan demasiado. Utilizo el rojo con más intensidad en el corazón de Harrowden, sugiriendo que la fuerza que persiste se hace más fuerte cuanto más te acercas, mientras que a medida que te alejas se utiliza menos el rojo.

Se supone que es una presencia magnética, algo invisible pero que se siente profundamente. Tal vez una energía antinatural, una enfermedad industrial o la contaminación que se extiende desde Harrowden. ¿Qué hay dentro de esas habitaciones? Eso debe decidirlo el espectador. Hasta ahora todavía no he hecho muchas escenas en el interior para el proyecto.

De hecho, el color rojo es determinante en tu obra gráfica. ¿A qué se debe?

El uso del rojo en mi obra surgió en un principio de otro lugar: diseñaba muchas ilustraciones anarquistas para camisetas, a menudo con la clásica estética roja y negra de los años ochenta. Ese estilo atrevido y de alto contraste se me quedó grabado, y recientemente he empezado a refinarlo en mi obra para convertirlo en algo más atmosférico e inquietante.

Siempre me han atraído las paletas de colores limitadas. Hay algo poderoso en reducir una imagen a unos pocos tonos clave, utilizando colores selectivos para crear énfasis y ambiente. El rojo, en particular, tiene mucho peso: puede significar peligro, violencia, urgencia, pero también calidez y vida. A medida que he ido trabajando en el proyecto Harrowden, ha ido cobrando vida propia como una cualidad casi sobrenatural, como una señal de que algo acecha bajo la superficie. Es un color que exige atención, y en mi trabajo, a menudo sirve tanto de advertencia como de señuelo.

El tema de este número es el caos y la destrucción. Me gustaría preguntarle por su perspectiva sobre el mundo actual y su futuro, dada la actual situación social en la que vivimos hoy a todos los niveles.

El mundo parece estar hoy al borde del colapso. La máquina se está rompiendo, pero en lugar de dejarla caer, los que están en el poder la están remendando con métodos cada vez más brutales —vigilancia, control, escasez fabricada—, cualquier cosa para mantener las cosas en marcha durante más tiempo.

¿Tenía razón Orwell?

Sí, Orwell tenía razón: sobre la vigilancia, sobre el control, sobre la forma en que el poder se mantiene a sí mismo a través del miedo y la manipulación. Vivimos en un mundo en el que la verdad se modifica constantemente, en el que la tecnología no solo nos vigila, sino que predice, empuja, impone. Los mecanismos de control se han vuelto más insidiosos, más automatizados, pero el resultado es el mismo: obediencia, división y un sistema que se alimenta de sí mismo.

Dicho esto, mi trabajo reciente se inclina más hacia algo dickensiano, no de un modo nostálgico, sino en el sentido de un mundo definido por la lucha de clases, por el peso de la industria, por personas que intentan sobrevivir en un sistema diseñado para machacarlas. Harrowden no es solo un lugar de control y vigilancia; es un lugar de trabajo, suciedad y fantasmas, donde el pasado no solo se recuerda, sino que sigue vivo, dándole forma a todo.

Orwell nos advirtió sobre la bota estampada en un rostro humano para siempre, pero Dickens nos mostró las calles cubiertas de hollín, las prisiones de deudores, la implacable maquinaria de la industria. Ambos son relevantes. La cuestión es si escapamos a esos ciclos o si estamos condenados a repetirlos en formas nuevas y más brillantes.

Muchas de las publicaciones de tus obras gráficas en Instagram van acompañadas de un relato. Son escritos con un alto nivel literario. Permíteme decir que tu faceta de artista va unida a tu faceta de escritor de relatos. ¿Te planteas recopilar en una publicación tus obras y los relatos que las acompañan?

Sí, he estado construyendo todo un mundo junto con la obra de arte: Harrowden no es solo un proyecto visual, en los últimos meses he estado construyendo un lugar con su propia historia, personajes, sistemas y un extraño folclore. He estado trazando localizaciones, desarrollando las figuras que habitan el pueblo y escribiendo ideas fragmentarias de la historia hasta ahora que insinúan algo más grande. Ahora mismo, aún estoy en las primeras fases, pero el objetivo es empezar a unir estos hilos en algo más estructurado y envolvente. Estoy considerando la posibilidad de trabajar pronto con un amigo escritor para que me ayude a dar forma a la parte narrativa.

En algún momento me gustaría reunirlo todo en una publicación. Aún estoy pensando si acabará siendo una colección de relatos cortos ilustrados, una narración completa o algo diferente. Incluso he tenido la descabellada idea de convertirlo en una aventura gráfica al estilo de los 90, un género que me encanta. Hay algo en ese estilo narrativo lento y atmosférico, en el que descubres un lugar misterioso pieza a pieza, que encaja perfectamente con Harrowden.

¿En qué proyectos gráficos está trabajando para 2025?

Para 2025, sigo desarrollando el proyecto Harrowden, ampliando su mundo mediante ilustraciones y escritos. Quiero dar más profundidad a la ciudad: más lugares, más historias extrañas, más destellos de su folclore industrial. También estoy explorando formas de recopilar el trabajo en algo más tangible, ya sea un libro, un fanzine o algo interactivo que realmente atraiga a la gente a su inquietante y estratificado mundo.

Además, he estado desarrollando Mamucium City, una visión ciberpunk de la Inglaterra septentrional del futuro. Su atmósfera es similar a la de Harrowden, pero el foco de atención se desplaza de los fantasmas industriales a la decadencia de la alta tecnología. Es un mundo de torres brutalistas y reflejos de neón, donde el control corporativo de Halcyon Global choca con la resistencia anarquista clandestina. Aún está en sus primeras fases, pero me entusiasma la idea de seguir avanzando, sobre todo en contraste con el peso histórico de Harrowden.

También continuaré con mi trabajo punk, anarquista y político, creando grabados, ropa y pegatinas centrados en la resistencia, la lucha de clases y la acción directa. Esta faceta de mi trabajo siempre ha sido importante, no solo como expresión artística, sino como algo físico e inmediato, una forma de difundir ideas más allá de las galerías o las redes sociales. Gran parte de este trabajo también se destina a recaudar fondos para causas benéficas y populares. De cara al futuro, también me gustaría volver a hacer exposiciones en algún momento.

Gracias por tomarse el tiempo para hablar conmigo y por la oportunidad de compartir más sobre mi trabajo. Siempre es estupendo hablar de las ideas y las influencias que hay detrás de mis proyectos, sobre todo de mi proyecto Harrowden, que me apasiona en estos momentos, y de cómo conecta con la historia, la industria y el folclore. Agradezco mucho las preguntas y la oportunidad de reflexionar sobre los próximos pasos. Espero poder compartir más en el futuro.